Blogstereo: GEORGE HARRISON †

presenta:

George Harrison era el menor de cuatro hermanos. Su padre era conductor de un autobús municipal, y su madre era ama de llaves. Acudió a la misma escuela primaria que John Lennon, la Dovedale Infants, y después pasó al Instituto Liverpool, donde conoció a Paul McCartney.

Empezó a tocar la guitarra a los trece años. La primera que tuvo, que fue comprada a un compañero de clase, fue un regalo que le hizo su madre cuando él estaba con gripe en la cama. Fundó un grupo llamado The Rebels, que no duró mucho. Más tarde se uniría a Les Stewart Quartet, después de fallar en su intento de unirse a Rory Storm & The Hurricanes. Los intentos de tocar la guitarra en un principio fueron inútiles: no entendía la notación y llegó incluso a romper una de las llaves de la guitarra, así que dejó su guitarra en un rincón de su armario, volviendo a dedicarse a la trompeta. Uno de sus hermanos reparó la guitarra y George consiguió aprender unos acordes. Empezó a escuchar grabaciones de grandes guitarristas a la vez que ensayaba rigurosamente. Poco después conocería a Paul McCartney, pues juntos tomaban el autobús para ir al instituto. McCartney era miembro de la banda The quarry men, donde también estaba John Lennon, y decidió presentar a Harrison al grupo (Harrison entonces tenía 14 años), el cual lo aceptó como integrante al cabo de un tiempo. La banda se transformaría en los Beatles tiempo más tarde.

Empezaron a tocar en Hamburgo, Alemania, un agosto para el Club Indra, luego trabajarían para el club rival Top Ten, y el dueño del Club Indra denunciaría a Harrison por trabajar solo con 17 años, así que Harrison tuvo que volver a Inglaterra. En la grabación de A Hard Day's Night, Harrison conocería a Pattie Boyd con la que se casó, y a Eric Clapton con el que compartió una gran amistad. Harrison fue el guitarrista principal de los Beatles, aunque a veces también fue el vocalista, en las canciones Roll Over Beethoven, For Your Blue, I Me Mine, "Taxman", While my guitar gently weeps ,(La guitarra es tocada por Eric Clapton),"Something","I need You" y "Here comes the sun".

Más adelante conocería a Ravi Shankar y al Maharishi Mahesh Yogi, que le ayudarían a conocer la meditación trascendental. Aprendería a tocar la zítara y esto sería audible en los siguientes discos de The Beatles donde se pudo comprobar el peso que tenía en la banda. Compondría "Love You To" y "Within you without you" , en ambas canciones se escucha la zítara

Después los Beatles se separaron y Harrison empezó su carrera de solista. Fue el primer Beatle en alcanzar el éxito gracias a su celebradisimo triple LP "All Things Must Pass". Su sencillo "My Sweet Lord" se hizo mundialmente conocido, aunque su siguiente LP, "Living in the Material World", aun con bellas canciones como "Give me Love" fue criticado por ser muy experimental. Más vapuleados fueron los siguientes aunque ello no hizo que Harrison varíe su orientación musical por nada. En 1974 se separaría de Pattie Boyd, la cual se casaría con Eric Clapton cinco años después, en una boda a la que el mismo Harrison asistió para dejar en claro que no había resentimientos entre amigos. Por cierto, a esa boda también asistieron sus ex compañeros, Paul McCartney y Ringo Starr.

A George Harrison se le considera también uno de los precursores de la música electrónica, a raíz de su trabajo "Electronic Sounds", previo a su separación de The Beatles.

En 1977 conoció a Olivia Trinidad Arias, con quien tuvo un hijo (Dhani) y se casaría posteriormente. Desde entonces comenzo una racha de discos que, aunque sin ser éxitos de ventas, mostraban a un Harrison relajado y mostrando lo mejor de si. "33 1/3", "George Harrison", "Somewhere in England" y, sobre todo "Cloud Nine", fueron obras coherentes y dignas del Beatle que siempre supo hacer bonitas melodías y transmitir variadas emociones con su guitarra.

Tras la muerte de Lennon en 1980, Harrison fue quizá el Beatle que más alejado de los medios se mantuvo. En la década de 1980, como copropietario de la compañía Hand Made Films, ayudaría a hacer películas como La vida de Brian del grupo Monty Python.

Los nuevos aires que le dio su disco "Cloud Nine" de 1987 lo reunió por casualidad con viejos amigos, con los que formó The Travelling Wilburys, junto con músicos de la talla de Roy Orbison, Tom Petty, Jeff Lyne y Bob Dylan, con los cuales edita dos discos muy elogiados.

Tras editar su disco doble en vivo ("Live in japan") en 1992, vuelve a recluirse en su cómoda mansión de Inglaterra, aunque no por ello dejo de participar en el negocio musical. Es un constante colaborador en distintos proyectos musicales, aunque por los años 90 su más importante colaboración lo reunió nuevamente con sus colegas McCartney y Starr, cuando se editaron tres discos dobles y un documental acerca de los Beatles, mejor conocido como "The Beatles Anthology".

Harrison trabajaba en un nuevo album solista (el posteriormente editado "Brainwashed") cuando falleció a causa de cáncer pulmonar en el año 2001 en la ciudad de Los Angeles. Al cumplirse un año de su muerte, un grupo de músicos amigos, entre los que se encontraban Eric Clapton, Jeff Lynne, Ringo Starr, Paul McCartney y Tom Petty, le rindió tributo con un concierto en el Royal Albert Hall de Londres.

(Fuente)

N. de la R. No podía terminar éste post sin comentar que Harrison es la prueba que en The Beatles no sólo existió el talento Lennon & McCartney. Estos tres vídeos de éste virtuoso de la música son los más significativos para mí, en verdad fué una suerte encontrarlos pues cada uno me trae un recuerdo muy querido de mi niñez y mi adolescencia, que los disfruten!

Blogstereo: OLD CHRISTMAS ROCK SONGS

Aunque esta ha sido mi primera navidad Grinch desde que tengo memoria, hoy me atrapó el sentimiento de las navidades pasadas en mi Monterrey del alma. Lo que de ellas recuerdo viene siempre acompañado de notas musicales. Estas son algunas de las más significativas canciones a lo largo de mi adolescencia, cuando era impensable el pasar éstas fechas lejos de la familia, de cuáles se acuerdan?:

Happy Xmas (Was is over)
John Lennon & Yoko Ono



Do they know it's Christmas
Band Aid



Driving home for Christmas
Chris Rea



Santa Claus is coming to town
Bruce Springsteen



Last Christmas
Wham



Jingle Bell rock
Daryl Hall & John Oates



Please come home for Christmas
Bon Jovi

Rockin' around the Christmas tree
Mercy Me

Blogstereo: CAIFANES

presenta:

Fué un grupo mexicano de rock originalmente conformado por Saúl Hernández (voz y guitarra), Alfonso André (batería y percusiones), Salvador "Sabo" Romo (bajo) y Diego Herrera (teclados y saxofón). Su primera presentación fue el 11 de abril de 1987 en Rockotitlán. La expectación creada en el underground rockero mexicano fue tanta que mucha gente se quedó fuera del recinto. Si bien Caifanes era un grupo nuevo, la anterior banda de Saúl, Las Insólitas Imágenes de Aurora, tenía una amplia base de fanáticos.

Su primer disco, Caifanes (a veces nombrado también Mátenme porque me muero, Volumen 1 o Disco negro) salió a la venta en agosto de 1988 y el sencillo Mátenme porque me muero fue su primer éxito, seguido por Viento y La negra Tomasa, una versión de una cumbia escrita por el músico cubano Guillermo Rodríguez Fiffe. El disco mostraba claras influencias del grupo británico The Cure. Gustavo Cerati participó como músico invitado en la grabación del álbum tocando la guitarra en La bestia humana. Este álbum fue precedido por un EP con tres canciones producido con la intención de probar la aceptación del grupo entre la posible audiencia; el resultado fue la venta de más de trescientas mil copias y, por lo tanto, la grabación del primer LP.

Su segundo disco fue Volumen II, pero es mejor conocido como El diablito. Esto se debe a un error de impresión: en la portada aparece un letrero borroso que dice "el diablito" y es considerado el "verdadero" título del disco, además el diseño gráfico muestra el dibujo de un diablito de lotería. El guitarrista Alejandro Marcóvich se integra al grupo; su presencia resultó notoria desde un principio y su estilo fue fundamental en lo que comenzaría a ser el sonido de Caifanes.

En El diablito aparece una de las canciones más populares del grupo, La célula que explota. Esta canción, mezcla de balada rockera con música de mariachi, apunta muy claramente la dirección que Caifanes habría de tomar a partir de ese punto: una mezcla de rock con elementos de la amplísima gama de estilos que comprende la música popular mexicana.

En 1992 se edita El silencio que incluye gran parte del repertorio clásico de Caifanes, como No dejes que ..., Miércoles de Ceniza, Nubes y Nos vamos juntos. Cuando este disco salió a la venta el grupo ya era un éxito en México, Centroamérica, algunos países de Sudamérica y entre la comunidad hispana de Estados Unidos. En agosto de 1992 llenaron por completo el Hollywood Palladium de Los Ángeles. En 1993 hicieron lo mismo en el Palacio de los Deportes de la ciudad de México, hazaña que ningún otro grupo de rock mexicano había logrado hasta el momento; con dicho concierto Sabo Romo y Diego Herrera se despidieron de la agrupación.

Al llegar 1994, Caifanes queda reducido a un trío conformado por Saúl, Alfonso y Alejandro. Juntos dan forma al último álbum de los Caifanes, El nervio del volcán. Se eligen como sencillos las canciones Afuera, Aquí no es así y Ayer me dijo un ave. Su presencia en los medios de comunicación crece y es seguida muy de cerca por los noticiarios de MTV Latino para quien realizaron un unplugged y donde se documentaron tanto el creciente éxito internacional del grupo (por ejemplo, en esos días abrieron el concierto de los Rolling Stones en la ciudad de México y participaron en el festival WOMAD, organizado por Peter Gabriel) como las crecientes diferencias entre Hernández y Marcóvich (en un reportaje Saúl le pregunta a Alejandro "¿Qué tenemos en común?" y Marcóvich responde "¿El número de cromosomas?".) Los enfrentamientos no sólo fueron en el ámbito creativo sino también en el legal, debido a que la marca "Caifanes" estaba registrada a nombre de Marcóvich. Caifanes ofreció su último concierto el 18 de agosto de 1995 en la ciudad de San Luis Potosí.

Tras la desintegración de Caifanes, Hernández se dedica a recuperarse de un mal crónico en sus cuerdas vocales, e invita a Alfonso André (batería), Federico Fong (bajo) y José Manuel Aguilera (guitarra) a formar un taller musical llamado Jaguares.

(Fuente)

Blogstereo: INSTRUMENTAL (videopost)

presenta:

MUSICA INSTRUMENTAL

Love is blue
Paul Muriat

Chi Mai
Ennio Morriconne

Medley
Bert Kaempfert

Feels so good
Chuck Mangione

For Elise
Richard Claydermann

Zorba el griego
José Feliciano

Blogstereo: KENNY G

presenta:

Nacido como Kenneth Gorelick el 5 de julio de 1956, Kenny G es el saxofonista americano que con su cuarto álbum Duotones alcanzó la fama en 1986. Su instrumento preferido es el saxofón soprano, pero eventualmente toca el tenor y el alto.

Su carrera como músico profesional comenzó con su participación en la Orquesta del Amor Ilimitado de Barry White. Después de graduarse de la Universidad de Washington se convirtió en miembro destacado de The Jeff Lorber Fusion, y fué después de éste período que se convirtió en solista. En 1981 lo firma la disquera Arista como solista, ha editado muchos álbums en éste género y como colaborador para varios otros artistas como Whitney Houson, Toni Braxton, Natalie Cole, Steve Miller (con el único que apareció en el género rocanrolero) y con Aretha Franklin. Por la influencia de la música de Grover Wahington Jr. la suya ha sido catalogada como "Jazz Simple ó Suave".

En el año 2003 Kenny G fué nombrado como el artista número 25 en América que más álbums ha vendido, con 48 millones de discos sólo en USA. En 1994, ganó el Grammy a la Mejor Composición Instrumental por el tema "Forever in Love" y es seguido por las masas en todo el mundo.

N. de la R. Este martes se presenta Kenny G en Monterrey, ustedes que pueden no se lo pierdan, si no lo conocen vale la pena introducirse al jazz de la new age con este viruoso del sax!

Blogstereo: The Eagles

presenta:

El grupo estaba integrado por Don Felder en la guitarra; Glenn Frey guitarrista y cantante; Don Henley en la batería y cantante; Bernie Leadon en las cuerdas (guitarra, mandolina, y banyo); Randy Meisner en el bajo y los coros; Timothy B. Schmit: bajo y coros; y Joe Walsh en la guitarra y los coros.

Quizás el primer logro de esta banda norteamericana fue el llevar la música "country" y "western" hasta las grandes audiencias. El reconocimiento vino rápido porque rescataron el sonido sureño mezclándolo con el buen tocar de las guitarras y un rock suave. Abrieron el camino para que muchos músicos mezclaran el "country" con el "rock" y lograran preciosas baladas, algo de rock pesado y algunos himnos difíciles de olivdar. En un inicio fueron la banda que respaldaba a Linda Ronstadt, pero decidieron abrir un camino propio con éxitos mucho más grandes.Ese éxito está presente hoy día, pues siguen vendiendo todo su catálogo como ningún otro grupo musical. De hecho, las 26 millones de copias vendidas por "The Eagles Greatest Hits Volume One" despalzaron a "Thriller" de Michael Jackson como el disco más vendido de todos los tiempos. Ese mismo álbum fue el primero en ser certificado como platino (más de un millón de copias) por la industria fonográfica de Estados Unidos en 1976.

Lanzaron cuatro álbumes consecutivos al número uno entre 1975 y 1979. Pero para probar que no habían perdido su talento, en 1994 salió el compacto "Hell Freezes Over" que también ocupó el primer lugar por dos semanas. Tuvieron 5 canciones en el número uno y cinco más entre las diez más calientes; yvendieron más álbumes en los setenta que ninguan otra banda estadounidense. Además, estando la banda inactiva en los ochenta siguió vendiendo un promedio de un millón y medio de discos anuales. Los Eagles son la crónica de unos años setenta de alto vuelo, en el que el cambio social llevó a "una vida en la vía rápida". Entre líneas, se puede leer que su tema favorito era entrar en contradicción con el sueño americano. Si bien es cierto empezaron como una banda de rock y country, el tema de sus álbumes era oscuro y basado en la seducción y el exceso. Temas probablemente fertilizados en el ambiente de la década reinante en Los Ángeles, ciudad donde aparecieron en 1971 y desaparecieron en 1980. Sin embargo, en 1994 se vieron obligados a volver a los escenarios por la exigencia de una audiencia que quería su música y los mensajes que la acompañan. Este año, 2002, inician una gira por los Estados Unidos.

Habiéndose separado de Linda Rodstock empezaron a definir un estilo musical que evocaba al viejo oeste norteamericano con toda la mitología que acompaña a un proceso de expansión de fronteras. Su primer álbum "Take it easy", despegó con ese mismo tema y "Witchy Woman". Luego vino "Hotel California" en 1973 y con él la idea del rockero como un forajido. Su tercer álbum, "On the Border", fue bastante atropellado en su producción. Se mudaron de ciudad de grabación de Londres a Los Ángeles, tuvo un nuevo productor (Bill Szymczyk), hubo un guitarrista nuevo (Don Felder) y el éxito se debió a la balada musical "The Best of My Love" que fue número uno en marzo del 75.

"One of These Nights", su siguiente álbum, reflejó la desilusión que había en el horizonte político y en la vida personal de la juventud norteamericana a mediados de la década. La sociedad se debatía entre el escándalo de Watergate y las celebraciones del bicentenario de la Independencia norteamericana. En ese clima de incertidumbre y desconfianza encontró espacio el disco. Ese fue su primer LP en ser número uno y colocaron tres sencillos en el primer lugar de las listas de popularidad. ( "One of These Nights," "Lyin' Eyes" y "Take It to the Limit"). El álbum se grabó en seis meses con la presión creadora de Henley y Frey, que terminó por hacer que Bernie Leadon abandonara el grupo en 1975. Leadon fue reemplazado por Joe Walsh quien trajo más influencia del rock pesado a la banda.

En ese momento los miembros de la banda podían considerarse superestrellas. Pero con la salida de su quinto álbum (Hotel California) el grupo se disparó. El LP fue armado fudamentalmente en el estudio durante todo un año y fijó un nuevo estándar en materia de composición y mezcla musical. Salió a la calle en diciembre de 1976 y es, sin incluir discos de éxitos, su álbum más vendido. De ese álbum se extrajo una frase que se integró al lenguaje popular norteamericano: "vivir en la vía rápida" (Life in the fast lane). El año de grabación separó a otro miembro: Randy Meisner, quien fue sustituído por Timothy Schmit.

Su sexto álbum, "The Long Run", implicó la ruptura definitiva del grupo después de dos años de grabación. Desde cualquier punto de vista el disco fue un éxito, no sólo por "Heartache Tonight," "The Long Run" y "I Can't Tell You Why", sino también por los niveles de calidad en su producción. Quizás la portada negra del LP era premonitoria, porque para 1980 la banda se había separado. Don Henley, Glenn Frey y Joe Walsh iniciaron carreras en solitario. Mientras tanto, la influencia del grupo inspiró un movimiento renegado llamado nuevo country. En 1993, las 13 bandas más populares del country grabaron "Common Thread: The Songs of The Eagles" como un tributo al grupo. Quizás fue el triple platino del disco lo que posibilitó la reunion de The Eagles un año después. En 1994 Glenn Frey anunció, al inicio de uno de sus conciertos, que las vacaciones de 14 años del grupo habían terminado. "Vemos esto no como una reunión, sino como un retomar", dijo en aquella oportunidad. Grabaron 4 canciones nuevas, que se unieron a 11 éxitos anteriores en "Hell Freezes Over". Y desde entonces no han parado a pesar de los altos precios de las entradas para sus eventos.

Love will keep us alive

I was standing
All alone against the world outside
You were searching
For a place to hide

Lost and lonely
Now you’ve given me the will to survive
When we’re hungry...love will keep us alive

Don’t you worry
Sometimes you’ve just gotta let it ride
The world is changing
Right before your eyes
Now I’ve found you
There’s no more emptiness inside
When we’re hungry...love will keep us alive

I would die for you
Climb the highest mountain
Baby, there’s nothing I wouldn’t do

I was standing
All alone against the worlk outside
You were searching
For a place to hide
Lost and lonely
Now you’ve given me the will to survive
When we’re hungry...love will keep us alive
When we’re hungry...love will keep us alive
When we’re hungry...love will keep us alive

(Fuente)

Blogstereo: MICHAEL BOLTON

presenta:

Cantautor de pop, rock y música para adultos contemporáneos, es conocido por sus suaves baladas rockeras y su poderosísima voz. Sus logros incluyen 53 millones de álbums, nueve sencillos números uno en los charts de Bilboard, premios de los American Music Awards, Grammys y un contingente de fans conocidos como "bolt-heads".

Nacido en 1953 en New Heaven, Connecticut, en el seno de una familia judía, encontró el éxito a mediados de los ochentas y principios de los noventas como solista del género conocido como "adult contemporary/easy listening". Obtuvo su primero contrato discográfico a los 15 años, pero su reconocimiento nacional no fué sino hasta finales de los años setenta con su participación en la banda de rock Blackjack, llegando a compartir giras con el mismísimo Ozzy Osbourne.

Comenzó a grabar como Michael Bolton (su nombre real el Michael Bolotin), en 1983 después del hit como co-compositor del tema "How am I supposed to live without you" junto a Laura Branigan quien en su voz lo llevó a ser número uno por tres semanas, en su propia voz. Continuaron escribiendo juntos y en 1985 Branigan graba "I found someone" de ellos mismo, que pasó sin pena ni gloria en el gusto del público. Dos años más tarde Cher resucitó este sencillo y con él su propia carrera. Bolton co-escribió muchos otros temas para éste par de féminas.

Irónicamente, uno de sus mayores éxitos de éste cantautor, fué como intérprete de una composición de otra persona, el clásico de Otis Redding "(Sittin' On) the Dock of tha bay". Siempre se interesó en el soul y el sonido clásico Motown y éste éxito le dió valor para grabar otro clásico americano: "Georgia on my mind" con el que tuvo otro hit.

La mayoría de las grabaciones de Bolton es material original, de la misma forma, ha compuesto para grandes estrellas como Barbra Straisand, Kiss, Kenny Rogers, Kenny G, Peabo Bryson and Patti Labele. Sus primeras colaboraciones incluyeron estrellas como Doug James y Mark Mangold, y su fama creció cuando empezó a co-escribir con autores reconocidos como Baby Face, Diane Warren y Bob Dylan. Como cantante ha actuado al lado de Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Renee Fleming, Patty Labele, Ray Charles, Percy Sledge, Wynonna Judd y BB King.

Bolton es padre de tres hijas (Isa, Holly y Taryn) nacidas de su matrimonio de 15 años con Maureen McGuire. En 1993 establece la Fundación Michael Bolton, de asistencia a mujeres y niños con riesgo de los efectos del abuso sexual, emocional y físico. También participa como presidente honorario del programa Prevención del Abuso Infantil Americano, como presidente de la organización This Close of Cancer Research, como miembro honorario de la National Mentoring Partnership y el Hospital Infantil Joe DiMagio.

En marzo de 1933 Bolton se unió a Lifetime Television, Verizon Wireless y muchas otras en favor de la Coalición Nacional Contra la Violencia Doméstica, demandando una legislación que provea más asistencia a las víctimas del abuso doméstico, como una opción para disponible a domicilio.

Michael Bolton, recibió el premio Lewis Hine del National Child Labor Commitee, también recibió el premio Martin Luther King del Congreso de la Igualdad Racial y la medalla de honor Ellis Island de la Coalición Nacional de Organizaciones Etnicas. La Cámara de Comercio de Hollywood lo reconoció como estrella en el "Walk of Fame" por sus contribuciones musicales y caritativas.

(Fuente)

Blogstereo: BARRY MANILOW

presenta:

Originario de Brooklyn, Nueva York, a los siete años ya tocaba el acordeón y el piano de un vecino. Saliendo de la secundaria se dio cuenta que lo suyo era la música, por eso empezó a estudiar música en el " New York College of Music and Julliard”, mientras trabajaba en el correo interno de la CBS para poder costearse los estudios.

Estando en la CBS y con 18 años a cuestas, conoció al director de un musical que le pidió que arreglara unas canciones. Sin embargo, decidió componer toda la partitura él solo. El musical duró 8 años en cartelera. Fue también en la CBS que empezó a trabajar como director de una serie de televisión, mientras cantaba y componía jingles publicitarios. Además, se presentaba en dúo en un club neoyorkino.

En 1974 Manilow arrancó con su propio espectáculo al presentar “Mandy”, que sería la primera de 25 canciones consecutivas que entrarían al Top 40 de Billboard. Cuatro años después Manilow tenía 5 discos simultáneamente en la lista de álbumes, algo hecho únicamente por Sinatra y Johnny Mathis.

Tres años después, en marzo de 1977, la ABC presentó un especial de Manilow que tuvo una audiencia estimada en 37 millones de personas. El evento fue reconocido con el Emmy como el “Mejor Especial del Año”. La ABC, produjo tres especiales más entre 1978 y 1980. Así, se convirtió en un fenómeno mediático que llevó a que HBO y Showtime produjeran sus propios eventos con Manilow en el centro.

En 1985, presenta su primer disco de estudio para RCA y aparece en la película de CBS “Copacabana”, de la que se extraería el tema que se convertiría en un gran éxito. Dos años después volvería a Arista para grabar “Swin Street”, un disco en el que aparecen Diane Schuur, Kid Creole and the Coconuts, Phyllis Hyman, Jerry Hey, Tom Scott y Gerry Mulligan. En él Manilow experimenta con ritmos distintos a las tonadas suaves que cantaba usualmente.

Estos dos últimos discos le llevan a filmar un especial para CBS en el que aparecen muchos de los artistas que cantan en sus discos. En él se intenta hacer una mezcla de los cuarenta y los ochenta, en un intento por crear una suerte de música eterna. Habiendo publicado su autobiografía, se embarca en una gira de dos años por Estados Unidos y Europa. El espectáculo tenía una escenografía específica y era un viaje por la música del cantante. Su pico era un mosaico de sus principales canciones que duraba unos 30 minutos.

En 1992, Arista lanzó una colección de 4 discos en la que incluía la historia musical de Manilow hasta la fecha. "The Complete Collection and Then Some” era un recorrido por 20 años de éxitos en las listas. Como era tradición, vino detrás una gira que incluyó Japón y una presentación en Wimbley televisada a unos 4 y medio millones de personas.

Después de un disco de Big Band y un espectáculo en Las Vegas que ha viajado por todo el mundo, entró a componer la música de tres películas “Thumbelina” , “ The Pebble and the Penguin” y “ Rapunzel”.

Su última gira que terminó en 1996 le llevó a México, Australia y Singapur. Luego vino una serie de discos y programas de televisión que tienen como propósito recordar los grandes éxitos del artista, incluído el “Live By Request” de A&E, un especial de dos horas.

La huella de Manilow en la música puede parecer tan suave como su música, sin embargo es profunda en la medida en que ha influido en muchísimos artistas a los que ha producido con gran éxito. Además, su vocación por mezclar lo teatral en sus presentaciones ha mantenido vivo el espíritu de la “música vieja” que se niega a morir frente al frenesí adolescente.

Blogstereo: DARYL HALL & JOHN OATES

presenta:

Es el dúo musical más exitoso de la historia. Daryl Hall y John Oates, Hall y Oates, se anotaron un éxito tras otro durante los 70 y 80 con esas pegajosas baladas pop con aires soul. Fueron, por mucho, los reyes de un soul blanco bastante meloso. La base de su estilo era la combinación del falsete de Hall y barítono de Oates.

Daryl Franklin Hohl nació el 11 de octubre de 1949 en Pottstown, Pensylvania y John Oates el 7 de abril de 1949 en Nueva York. Se conocieron mientras estaban en la universidad de Tempe en Filadelfia a finales de 1960. Apenas alcanzaron a tocar juntos antes de que Oates se cambiara de universidad y Hall empezara a trabajar en una banda llamada Gulliver.

Después de lanzar un disco con Elektra, el grupo se deshizo y Hall se convirtió en un músico de estudio, mientras Oates volvió a la ciudad a inicios de los años 70. Esta coincidencia ayudó a que se volviera a formar la sociedad y empezaran a componer música de influencia folk, lo que llamó la atención de Tommy Mottola, un conocedor de la industria que se convirtió en su manejador. Fue Mottola quien los llevó al sello Atlantic donde lanzaron su primer disco "Whole Oates" en 1972. Los discos de esa época fueron producidos por Arif Mardin y Todd Rundgren.

Un año después vendría "Abandoned Luncheonette" que mostró un estilo más refinado y apto para la radio, que luego se convertiría en su sello particular. De ese disco las emisoras tomaron "She's Gone" que sin convertirse en un éxito, marcó la dirección de por dónde tenían que orientar su creatividad. En 1974 vendría "War Babies" un disco más volcado al rock, que terminaría de dejarles claro que su estilo era el de la balada pop, estilo que se mantuvo en sus próximos discos.

Sara Smile

En 1975 se mudaron de ciudad y casa disquera. En Nueva York firmaron con RCA y lanzaron en 1976 el disco "Hall and Oates" que contenía el éxito "Sara Smile" que llegó a colocarse entre las diez más calientes. Con un disco de oro en el bolsillo, decidieron relanzar "She's Gone" y lograron ponerla entre las 10 primeras de las listas. Es mismo año salió "Más grande que nosotros dos", un disco más pop y meloso que los anteriores, que les permitió su primer número 1, "Chica Rica".

Siguieron años de mucho trabajo y éxitos menores, pero constantes (Xtatic, Livetime, Along The Red Ledge) que les permitieron ajustar más su estilo. Así, usaron más la guitarra y apelaron a lado suave del soul y del pop. Sin embargo, Xtatic fue un fallido intento de entrar por la vía del disco.

Empezando los años 80, su disco "Voces" en el que venían las famosas "You Lost That Lovin' Feeling," "Kiss on My List" y "You Make My Dreams", los catapultó a lo alto de la lista de sencillos y álbumes. Un año después vendrían "Private Eyes", "I Can't Go For That (No Can Do)," y "Did It In a Minute" que los terminó de consolidar como un fenómeno vendedor.

En 1982 salió su mayor éxito comercial, "H2O" que se convertiría en doble platino empujado por el éxito descomunal de "Devoradora de Hombres". En 1984 sus ventas llegaron a tal punto que desplazaron a los Everly Brothers como el dúo más vendedor de todos los tiempos. Esta marca se alcanzó gracias al disco "Big Barn Boom" que vendió dos millones de copias y puso 4 discos entre las cuarenta más calientes.

Fue en ese momento cuando, inexplicablemente, Hall y Oates decidieron tomarse un tiempo para descansar. Hall decidió seguir en solitario hasta que se volvieron a unir en 1988 para producir el disco "Ooh Yeah!" que se convertiría en múltiple platino. En 1990 lanzaron "Change of Season" y no volvieron a grabar sino hasta 1997, cuando entraron al estudio a producir "Marigold Sky" que sería calificado como uno de sus mejores trabajos.

El trabajo de Hall y Oates en el Soul sigue siendo poco reconocido, sin embargo la huella que han dejado es imborrable.

(Fuente)

Blogstereo: LOS ANGELES NEGROS

presenta:

Una historia que comienza en San Carlos, Chile, en 1968, cuando cinco estudiantes deciden iniciar una aventura que trascendió a toda América Latina. Un grupo musical que con su estilo interpretativo uniera corazones en todo el mundo de habla hispana.

La oportunidad de demostrar su talento artístico surge a raíz de un concurso efectuado en la provincia de Chillán, mismo que al hacerce acreedores del primer lugar, les dan la oportunidad de grabar su primer material discográfico titulado "¿Por qué te quiero?", cuyo sencillo del mismo nombre traspasa las fronteras musicales y logra colocarse en un gran éxito en poco tiempo.

De ahí que las giras y presentaciones a nivel nacional no se hicieron esperar, y para 1969 surge el primer contrato para llevar su música romántica a Ecuador, posteriormente a Perú, Argentina, Bolivia, Paraguay, siendo los número uno en cada uno de estos lugares, abarrotando plazas y llevando el romanticismo a todo Centro y Sudamérica; posteriormente se sumaron Venezuela, Colombia, Curacao, República Dominicana, Puerto Rico, Estados Unidos y Canadá, y por último a México, donde demuestran ser unos ídolos, y llega a ser tal su aceptacion entre los mexicanos que a partir de 1982 deciden establecerse en México.

El nombre de "Los Ángeles Negros" surge a raíz de una leyenda en donde se dice que en una noche de tormenta cayó un rayo en un gran árbol que estaba en el centro de la plaza principal, y que al quemarlo le dejó una forma, que las primeras personas que lo vieron le llamaron el ángel negro, según cuenta Mario Gutierrez, director, fundador y actual guitarrista del grupo.

Sus éxitos principales son:

Y volveré
Murió la flor
Debut y despedida
Déjenme si estoy llorando
Mi niña
A tu recuerdo
A la mujer que tanto amé
Si las flores pudieran hablar
Despacito
A tí
Vete en silencio

Los Ángeles Negros, un conjunto músico vocal que en su tiempo fue pionero de un movimiento artístico que muchos siguieron a través de décadas y que en la actualidad muchos han continuado. Ese estilo único que sólo ellos han sabido conservar, pese a los cambios que ha sufrido el grupo en los 33 años de trayectoria musical.

A finales del 2003 y principios del 2004, Los Ángeles Negros se dieron a la tarea de entrar nuevamente a los estudios de grabación, haciendo un espacio en su extensa gira trabajo que abarca Estados Unidos, México, y todo Centro y Sudamérica, y nos ofrecen con un sonido mas actual temas como “Esta noche la paso contigo”, “Como quisiera decirte” y “A tu recuerdo”, además de regalarnos una nueva canción titulada “Guitarra suena otra vez”, que le pone un toque actual a este disco llamado “Metamorfosis” y que se escucha fuerte en la radio de muchas ciudades de Latinomérica y Estados Unidos, llevando consigo la misión por la cual Los Ángeles Negros son y seguirán siendo la imagen viva de la canción romántica.

(Fuente)

Blogstereo: CARLY SIMON

presenta:

Es recordada como una de las cantantes/compositoras más populares de principios de los '70. Hija menor de una familia de clase alta de Nueva York (su padre, Richard Simon, cofundó la casa editorial Simon and Schuster), empezó su carrera en la música formando dúo con su hermana Lucy autora, más tarde, de la música de The Secret Garden, un show de Broadway.

Las hermanas lograron instalarse en las listas de ventas con el single Winkin' Blinkin'and Nod. Corría el año de 1964. Simon debutó como solista en 1971 con un álbum que tituló con su nombre y que incluyó su primer éxito, That's The Way I've Always Heard It Should Be, una canción militante contra el matrimonio. Su segundo disco, Anticipation (1971), incluyó un tema, con el mismo título del álbum, con el que la cantante gana el Grammy al Mejor Artista Nuevo, de ese mismo año. Su tercer álbum, que llegó al puesto número uno, fue No Secrets (1972), que incluía la canción You're so Vain, que despertó especulaciones en torno a la persona que describía Carly en la misma y cuya imagen quedaba, la verdad, francamente mal parada*.

En 1974, Simon gana su tercer disco de oro consecutivo por Top Ten Hotcakes, en donde cantaba a dúo con James Taylor, su marido, y después de algún fracasillo canta en 1977 el tema Nobody Does It Better para una de las películas de la interminable saga de James Bond.

En octubre de 1980, Simon se desmayó sobre el escenario debido a un cansancio extremo, por lo que en adelante sólo dio conciertos de vez en cuando. Su siguiente álbum fue Torch (1981). La carrera de Simon en los Estados Unidos comenzó a declinar, tal como demuestra el fracaso de los álbumes Hello Big Man (1983) y Spoiled Girl (1985). En 1986 regresó al candelero con otro tema de película, Coming Around Again, del film Heartburn, y en 1988 con la canción Let the River Run, de la película Working Girl protagonizada por Melanie Griffith, con la que ganó un
Grammy y un Óscar de Hollywood. Entre 1990 y 1992, llegaron varias publicaciones más, hasta que en el 2000 publicó su último disco: Bedroom Tapes.

*NOTA CURIOSA: Entre los nombres que se barajaron estaban Mick Jagger, Warren Beatty, Cat Stevens, Kris Kristofferson y, en fin, su propio marido James Taylor, cantante también de abultada fama con el cual se casó en noviembre de 1972. Las especulaciones sobre el pretencioso personaje que inspiró la canción de la Simon no pasaron entonces de meros chismorreos, que engordaron la prensa rosa musical de la época. Sin embargo, después de treinta y un años, cosas de la historia, aquellos chismes se han convertido en noticia y en un jugoso ingreso para una sociedad benéfica de Massachussets. Carly puso en subasta, recientemente, su secreto, en un gesto que traspasa con mucho el mundo de la música y que debería ser motivo de un sesudo análisis sociológico, cuando menos. En la subasta, un tal Ebersol, ejecutivo de la cadena de televisión NBC, puso encima de la mesa 50.000 $ por saber él solito el secreto de la cantante, en un gesto que demuestra hasta qué punto los mitos del pasado tienen un gran valor en el futuro. El directivo dijo después: "Es por una buena causa y yo quise asegurarme de que Carly no tuviese que confesar el secreto a un extraño", lo cual demuestra que una subasta forja grandes amistades...

Blogstereo: CARDENALES DE NUEVO LEON

La trayectoria de estos norteños se remonta a 1982, cuando iniciaron tocando en restaurante, bares y cantinas, buscando una oportunidad en el medio musical y así fue hasta 1984, cuando empezaron a ver ese método de trabajo como una carrera profesional, así pues empezaron a buscar más en forma la oportunidad de grabar un disco, tocaron puertas hasta ser escuchados por Don Domingo Chávez (q.e.p.d.), quien les dio la oportunidad de formar parte del elenco de Disa.

Grabaron su primer disco titulado “SI YO FUERA EL”, tema con el que lograron penetrar en el gusto del público, y gracias a éste realizaron su primer gira por Michoacán, San Luis Potosí, Coahuila, Guanajuato y Tamaulipas.

En 1989 la firma “Top Hit Records”, otorga el primer Disco de Oro para CARDENALES DE NUEVO LEON, por su material “LA CHUYITA”, al lograr colocar más de 100 mil copias en el mercado de habla hispana de la Unión Americana. Este año sigue siendo testigo del éxito de este grupo con “La pera madura”, “Y cómo es él” y “Amor de unas horas”, éstos de su tercer álbum.

Su producción titulada “COMPRE UNA CANTINA”, marcaría el inicio de una nueva etapa en CARDENALES pues rápidamente se colocaron en los primeros lugares de popularidad, temas con los que lograron consolidarse nacional e internacionalmente, recibiendo por parte de Disa, Doble Disco de Oro por las altas ventas, esto en 1994.

La mayoría de sus temas son de amor, temas limpios, porque ellos no están a favor de las letras chuscas o de doble sentido ya que consideran que su música debe llegar a todos los miembros de la familia. Una experiencia significativa en la carrera de este grupo lo representa su participación en la realización del videohome “Luto, flores y tamales” con La Nena Delgado, con una intervención musical.

En 1993 “La Fortaleza Norteña de los 90” como eran conocidos, presenta su edición “FUEGO CONTRA FUEGO”, con su siguiente producción "SE QUITAN EL SOMBRERO" se colocaron en los primeros lugares de popularidad ya que además con este álbum buscaban agradecer al público todo el apoyo brindado.

Durante 1995 graban una edición especial de boleros titulada “BOLEROS PARA RECORDAR”, cabe mencionar que el 1 de junio de 1996 participaron en el baile “Fuerza Grupera 96” encabezándolo por primera vez en su natal Monterrey. Durante la Convención que realizó Discos Sabinas,su compañía disquera, este mismo año recibieron dos Discos de Oro por sus últimas tres producciones.

Su siguiente álbum se tituló “NUEVAMENTE EL AMOR”, se trató una producción compuesta de cumbias y rancheras, al que siguió una producción especial llamada “LO MEJOR DE LOS BOLEROS”, que salió al mercado el mes de junio de 1999.

Pero es en los años siguientes con sus álbums “LA COSECHA”, del cual tuvieron importantes logros, y “DE NORTE A SUR”, un disco que los llevo ante más de 20,000 personas, en las instalaciones del reconocido Rodeo Texcoco en Chimalhuacán, Edo. de México; los que logró colocarlos en los primeros lugares de popularidad tanto en México, como Estados Unidos. Por otro lado se les presenta la oportunidad de grabar el “El Corrido del Padre Amaro”, un tema muy controversial, que se incluyó en el sountrack de la película mexicana “El Crimen del Padre Amaro”.

Algo que siempre los preocupa es que el público esté cómodo con ellos y su música, por eso siempre tienen un ritmo como para poner a todos a bailar. Cuando realizan la elección de los temas que han de incluir en sus discos, lo hacen detenidamente y se acercan a reconocidas figuras para lograrlo. Por eso, mientras prepara su más reciente material discográfico mismo a salir a finales del 2003, deciden hacer un regalo a todos sus seguidores lanzando al mercado “LA MEJOR COLECCION”, se trata de tres discos compactos que incluyen 30 de los mejores éxitos de “la fortaleza” creados a lo largo de su trayectoria.

“PASO A LA REINA” es un disco donde las rancheras son la carta fuerte, sin embargo sabrosas cumbias (una de ellas en la voz de Cesáreo Sánchez Jr.), deleitarán a los seguidores de la agrupación en los que temas de grandes compositores fueron incluidos en esta producción.

Han pasado ya más de 20 años de trayectoria de esta agrupación norteña, ahora es bello el recuerdo de sus inicios tocando en las cantinas de La Sultana del Norte, en aquellos años, sólo con su amor a la música de acordeón y bajo sexto se acompañaban noche tras noche para ganar el sustento diario.

Sus integrantes: Cesáreo Sánchez Chávez (bajo sexto, primera voz y director), Cesáreo Sánchez, hijo (percusiones), Reynaldo González Macías (acordeón y segunda voz), Juan Marcos Garza Mendoza (batería), Enrique González Macías (bajo) y Enrique Muzquiz (animación).

Definitivamente hablar de esta agrupación, es hacer mención de su gran experiencia y de los incontables triunfos que han sumado a lo largo de su trayectoria, lo que los hace ser toda una institución musical en su género.

(Fuente)